Antonio Hernández Carpe.
Espinardo, Murcia 1923- Madrid 1977
SUS OBRAS:
1. AUTORRETRATO.
2. GIRASOLES MURCIANOS.
3. EL RIO Y LA VIRGEN.
4. PALACIO DE ESPINARDO.
BIOGRAFÍA:
Primeros estudios artísticos
En 1935 comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Murcia. José Planes y Luis Garay eran los directores de la Escuela en aquellos momentos. Aunque a finales de los años 30 ya era frecuente encontrar a Carpe realizando acuarelas durante sus excursiones con los BoyScouts de Murcia.
Realizó su primera exposición en el Salón de la Asociación de la Prensa de Murcia en 1942. Durante estos años solía trabajar en el estudio de Medina Bardón.
En el año 45 consigue el Primer Premio de Pintura en la Exposición de Primavera. Con motivo del premio, Antonio Oliver publica en el periódico un artículo donde, por primera vez, se habla de Carpe y su obra.
En 1946 consigue una beca de la Diputación Provincial, que le permitió continuar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Allí se pone en contacto con otros artistas: Vázquez Díaz y Solana. Y sólo un año después, recibe el Premio Villacis de Murcia.
En la inauguración de la Sala Gumiel de Madrid participa con Vázquez Díaz, Pancho Cossío y Álvaro Delgado en una exposición colectiva.
En el año 48 comienza a dibujar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
En 1949 participa en una exposición organizada por la Revista de Occidente. En ese momento presenta una obra que ha evolucionado alejándose del tenebrismo y comienza a utilizar colores más claros y vivos.
Sus obras Girasoles y Retrato de joven estuvieron expuestas en el Palacio de exposiciones del Retiro con motivo de la I Bienal Hispanoamericana de Arte realizada en 1952.
Viaje a Italia
Cuando finaliza sus estudios en la Academia de Bellas Artes en el año 52 regresa a Murcia, aunque un año más tarde se traslada a Italia al recibir una beca de la Delegación Nacional de Educación.
En Italia descubre el monumentalismo y los colores plenos, que no tardaría en plasmar artísticamente a modo de grandes ciclos murales, que expuso en la Sala de la Academia Española en Roma y también en el Instituto Español de Nápoles. En este país fue reconocido con la Medalla de Plata en Viareggio, por su obra Vista de Capri en la Exposición del Paisaje Italiano.
Durante su estancia en Italia tuvo la oportunidad de conocer la obra de Picasso, que se exponía en el Palazzo Grande de Milán.
Pintura mural
En el año 55 participa en la inauguración de la Sala de Exposiciones del Colegio Mayor Cardenal Belluga de la Universidad de Murcia, donde además realiza un mural. Durante ese año comienza también los murales de la Biblioteca Nacional y del Palacio de Archivos y Bibliotecas de Murcia.
En los años siguientes y hasta el año 74 recibe numerosos encargos de pinturas murales, algunas de ellas las realizó en Murcia: el Colegio Mayor Ruiz de Alda en Murcia, el edificio de la Hermandad Farmacéutica de Murcia y el edificio Torre de Murcia.
En 1970 fue nombrado miembro de la Academia Alfonso X el Sabio de Murcia.
Últimos años
Durante los años 75 y 76 se dedica a la pintura de caballete, que expone el mismo año de su fallecimiento.
Antonio Hernández Carpe muere en Madrid el 29 de noviembre de 1977.
Otras fuentes:
SU MADRE FUE LA IMPULSORA DE SU VOCACIÓN. PIDIÓ A CASTILLO PUCHE QUE LA ENTERRARA CON ELLA.
UNA TARDE RAPTÓ A UNA CHIQUILLA EQUILIBRISTA DE UN CIRCO, CON LA QUE MÁS TARDE SE CASARÍA.
VERANEA EN SANTIAGO DE LA RIBERA Y ALLI VIÓ EN LA TELE LA LLEGADA DEL APOLO XI A LA LUNA (Medarne Fraile 1977. Mis colores amigos)
MIRÓ
BARCELONA
(1893-1983)
SUS OBRAS:
1. AUTORRETRATO
2. NORTE-SUR
3. EL NACIMIENTO DEL DÍA
4. LAS ESCALERAS EN ARCOS DE FUEGO ATRAVESANDO EL AZUL
BIOGRAFÍA:
Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes, para mas tarde estudiar en la academia de Francesc Galí, pedagogo eminente, que aceptó las limitaciones gráficas del alumno para potenciar su agudo sentido del color.
En 1919 viaja por primera vez a París. Conoce a Picasso, concluye su Autorretrato que regala al amigo. Ya instalado en la capital del Sena y de la revolución artística, libera su mundo interior conquistando una nueva heterodoxia expresiva gracias al frecuente contacto con lo más granado de la vanguardia del momento.
En 1929 contrajo matrimonio con con Pilar Huncosa en Ciutat de Mallorca, con el tiempo vendría su hija Dolores, y, en 1930 expone en París sus papiers collés que, pocos meses después, le valen la realización de decorados y figurines para los ballets de Montecarlo.
Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX.
El estilo de Miró fue madurando bajo la influencia de los pintores y poetas surrealistas. Miró parte de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas.
Miró también experimentó con otros medios artísticos, pero las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales.
Falleció el día de Navidad de 1983, a las tres de la tarde, en su domicilio palmesano de son Abrines.
| Cuadro nº1:
Época: 60.90 - Siglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo 19.45.90 - Retratos Nombre: Autorretrato Descripción: 1919. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm. Museo Picasso de París. París. Francia. Autor: Joan Miró
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| Época: 60.70 - Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo
19.40.75 - Bodegones
Nombre: Norte-Sur
Autor:Joan Miró |
Época:
70.50 - Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo
19.60.20 - Abstracto
Nombre: El nacimiento del día
Autor:Joan Miró
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Época:
70.50 - Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo
19.60.20 - Abstracto
Nombre: Las escaleras en arcos de fuego atravesando el azul
Descripción:
Autor: Joan Miró
Vincent Van Gogh
Holanda. (1853-1890)
SUS OBRAS:
1. AUTORRETRATO (1889)
2. DOCE GIRASOLES EN UN JARRÓN
3. NOCHE ESTRELLADA
4. LA IGLESIA DE AUVERS
BIOGRAFÍA:
Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia.
En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat.
En 1888 se trasladó al sur de Francia con la idea de fundar con sus amigos el "Taller del Mediodía", allí en la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses, campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la región, fué en esa época cuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos, es ese año cuando Gauguin, a instancias de Theo, hermano de Vincent, decide vivir con él. Este, alegre, pinta sus girasoles para decorar la habitación del huesped. Pero poco a poco, las diferencias entre ambos creadores van surgiendo hasta que al fin estalla la crisis. Vicent quiere agredir a Gauguin con un cuchillo y éste escapa. Esa noche de Navidad de 1888 una prostituta recibió de manos de Vicent el más horrible de los regalos: una oreja cortada. Vicent se autorretratará con el oído vendado en una casa de salud que proteje su locura.
El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.
Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.
Cuadro nº1:
Nombre: Autorretrato 1889
Autor: Vincent Van Gogh
Época:- Siglo XIX. Post-impresionismo
Retratos
Descripción: Museo de Orsay. París. Francia.
A lo largo de su vida artística Vincent pintó un gran número de autorretratos, su continuo recurso a sí mismo como modelo obedecía muchas veces a una razón práctica: la falta de personas dispuestas a posar para él, circunstancia que lo afligía y que a menudo lamentaba, dado que tenía el retrato por el género principal de la pintura.
En este lienzo, el artista se representa de tres cuartos, vestido de una manera cuidada y elegante, con el cabello peinado hacia atrás, dejando al descubierto la frente. La expresión del rostro es tensa, casi agresiva, y la mirada infunde un cierto temor. Las cejas están contraídas y la boca se pliega ligeramente hacia abajo.
Toda la obra está dominada por el color azul, que se refleja en la piel del rostro, los labios y el cabello. Tanto la chaqueta como el fondo están pintados con trazos ondulantes transmitiendo la idea de permanente cólera y angustia, haciendo de este lienzo una de las imágenes que el artista ha producido de manera más dramática.
Época: Siglo XIX. Postimpresionismo
Bodegones
Nombre: Doce girasoles en un jarrón
Descripción: 1888. Óleo sobre lienzo. 91 x 72 cm.
Baryerische Staatsgemälde-sammlungen. Neue Pinakothek. Múnich. Alemania
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Mientras Vincent esperaba a Gauguin para trabajar en común en el "estudio de sur", pintó sus famosos "Girasoles" con la idea de que decoraran la habitación de su amigo.
Los girasoles son uno de los temas favoritos de Van Gogh, de hecho realizó otras diez versiones. El artista elaboró con ellos una idea completamente nueva de la "naturaleza muerta", transformándola, por una parte, en un elemento decorativo, y por otra, en "naturaleza viva".
El cuadro está realizado con la técnica del "empaste" consistente en apretar directamente el tubo de pintura sobre el lienzo produciendo un sorprendente efecto tridimensional como si los colores surgiesen de la tela.
Época: Siglo XIX. Postimpresionismo
Paisajes
Nombre: Noche estrellada
Descripción: 1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm.
Museo de Arte Moderno. New York. USA.
A diferencia de sus amigos Gauguin y Benard, que estaban elaborando una pintura de contenido simbolista, fruto de su imaginación y no inspirada en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la realidad, pero ésto le supone un problema ya que le resultaba difícil representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante como ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia.
Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación del autor transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico donde el cielo parece iluminado por multitud de cometas que giran vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el pueblo parezca sumergido en una atmósfera sobrenatural.
Época:
Siglo XIX. Postimpresionismo
Históricas. Iglesia gótica
Nombre:
La iglesia de Auvers
Descripción:
1890. Óleo sobre lienzo. 94 x 74 cm. Museo de Orsay. París. Francia.
Cansado de Arlés Vincent se trasladó a Auvers-sur-Oise donde le trató su amigo el Dr. Gachet. Allí pintó cerca de ochenta lienzos, entre ellos esta iglesia de Auvers que realizó aproximadamente un mes antes de acabar con su vida.
En el lienzo la mole baja y poderosa de la iglesia gótica se levanta, dominante, en el centro de la escena, ante un profundo cielo azul, dos árboles aparecen a lo lejos, una mujer, vista de espaldas, camina por la orilla de una de las dos calles que bordean la iglesia.
La construcción, de apariencia fantasmagórica, se alza desde un punto de vista un poco elevado, sus ventanas están en total oscuridad y la sombra del edificio se alarga sobre el prado.
La pincelada del artista es cada vez más personal, el cielo está hecho con pinceladas que giran sobre sí mismas, las líneas de los contornos están muy marcadas, producto de la influencia del cloisonnismo de Gauguin y Bernard. Los tonos que utiliza son malvas, verdes, amarillos y blancos.
